Beck a parlé à ZikNation sur l'exploitation d'un certain domaine spirituel et émotionnel pour son nouvel album « Ride Lonesome », ainsi que sur son voyage musical souvent incompris en matière de saut de genre jusqu'ici à partir des années 90.
Nous avons rencontré Beck dans un studio des bureaux londoniens de son label où il était lucide mais certes « en mode décalage horaire, mec » – tout à fait approprié pour parler de son magnifique nouvel album « Ride Lonesome », qu'il a décrit comme un « ralenti, crépuscule, Mojave, acoustique, une transe sonore et émotionnelle ».
Sept longues années se sont écoulées depuis son précédent album « Hyperspace », mais ce n'est pas comme si le chanteur, auteur-compositeur et compositeur se reposait sur ses lauriers. En plus des mesures provisoires imposées par le COVID et les confinements, il a effectué plusieurs tournées mondiales – y compris sa célèbre tournée de théâtre orchestral l'année dernière – et a travaillé sur les chansons qui allaient composer « Ride Lonesome » avec une attention épuisante aux détails.
« À une autre époque, cela serait probablement sorti il y a un an et demi », a-t-il déclaré. ZikNation. « Au départ, j'allais terminer ce disque et le faire sortir en 2023, mais j'ai fini par le mettre de côté pendant deux ans. Je n'étais pas sûr des chansons, je ne pensais pas qu'elles étaient assez fortes, et je n'étais tout simplement pas d'humeur à ce que le disque aurait besoin pour vraiment le vivre pleinement et lui donner vie. «
Serait-il juste de dire que Beck est assez dur avec lui-même ?
« Je suis réaliste! » il a répondu. « Vous espérez le meilleur pour certaines de vos chansons, mais en vieillissant, vous êtes un peu plus réaliste quant à la chanson et à ce qu'elle pourrait être. »
Un disque dans la lignée plus acoustique et chargée d'émotion de ses classiques « Sea Change » et « Morning Phase », lauréat d'un Grammy, plutôt que de la bande originale de rock alternatif de « Mellow Gold », « Odelay » ou « Midnite Vultures », Beck a de nouveau fait équipe avec de vieux amis pour mettre en bouteille un autre type de magie. Il a été réalisé avec son groupe de tournée original des années 90 qui a enregistré « Sea Change » et « Morning Phase » et mixé par Nigel Godrich (qui a produit le premier), un groupe de musiciens que Beck a décrit comme sa version « The Wrecking Crew ».
« Il y a une alchimie musicale qui est quelque chose de gratifiant pour nous », a-t-il partagé. « C'est une relation sur plusieurs décennies qui ne fait que s'approfondir et prendre de plus en plus de formes, de couleurs et de nuances au fil du temps. »
Découvrez le reste de notre entretien avec Beck ci-dessous, où il nous a également parlé de la création d'un « disque déchirant », de sa lutte pour être sincère lorsque les gens dans les années 90 trouvaient cela « nauséabond » et de la raison pour laquelle la connexion humaine l'emportera toujours sur l'IA.
ZikNation: Bonjour Beck. « Ride Lonesome » est en quelque sorte un successeur spirituel de « Sea Change » et « Morning Phase ». Que faut-il pour faire ce genre de disque plutôt que du « sex rock Beck » ?
Beck: « Il faut faire preuve de patience. Ce genre de musique prend beaucoup de temps, et on ne peut pas simplement l'assommer. Le chant, le jeu, tout doit susciter le bon type d'émotion. Certains jours, cela n'arrive tout simplement pas. Il y a beaucoup de temps à attendre que les choses s'alignent. J'ai dû m'asseoir avec tout pendant un moment pour avoir une idée de comment le chanter, comment le jouer, comment le faire voler. «
En termes d’authenticité émotionnelle, ces disques puisent toujours dans quelque chose. Que pouvez-vous nous dire sur où doit se situer votre esprit pour entrer dans cet espace ?
« Une grande partie de la musique est née à l'époque du COVID, et beaucoup de chansons ont été écrites parce que j'étais coincé seul dans ma maison pendant quelques semaines. Cela se produit de manière organique. Ce n'est pas quelque chose que vous pouvez contrôler ou planifier, mais c'est là où j'en étais. «
Qu'est-ce qui le distingue de « Sea Change » et « Morning Phase » ?
« Je pense que c'est plus lié à 'Morning Phase' qu'à 'Sea Change'. Pour le meilleur ou pour le pire, au début, je n'ai pas vraiment défini ni différencié les différents types de disques que je ferais. J'ai commencé par faire des disques d'auteurs-compositeurs-interprètes plus folk sur cassettes et autres, puis j'ai eu ce truc par hasard que j'ai fait avec 'Loser' et il y a eu beaucoup de discussions avant la sortie de mon premier album : 'Est-ce qu'on les nomme comme deux choses différentes ?' Mon manager et le label disaient : « Non, appelons-les pareil ».
« La philosophie de l'époque était que le public devait simplement tout accepter, les verrues et tout. Certains de mes pairs ont des artistes différents, comme un projet de danse électronique et un vrai groupe de rock, puis aiment plus les choses en matière de composition ou d'auteur-compositeur-interprète et appellent ça autrement. Je n'ai pas vraiment fait ça. Cela crée un peu de confusion, mais il y a certainement une philosophie différente pour ce genre de disque plutôt que celle comme « Midnite Vultures », qui est presque un projet différent. «
Au niveau des paroles, qu’avez-vous exploité sur cet album ?
« C'est un disque un peu déchirant. C'est assez évident ! Une grande partie de l'écriture est très directe. Il s'agit de prendre en compte la perte, de laisser les choses aller, de naviguer dans ces endroits émotionnellement impossibles et d'essayer de traverser ces moments.
« Il y a la perte amoureuse, la perte d'un être cher – d'un bon ami – et simplement le changement d'époque de votre vie. C'est le genre de chansons que je voulais faire quand j'étais jeune, mais le climat musical de l'époque était plutôt inhospitalier pour ce genre de musique. Il a fallu beaucoup de temps pour avoir ce genre de courage pour être aussi direct et émotif. Je suis arrivé à une époque où vous vous levez dans un bar, un club ou un café pour tous les âges ou quelque chose comme ça, vous commencez à gratter de manière élégiaque et vous êtes hué, qu'on vous jette des objets et qu'on vous chahute.
« Je me faufilais ou je restais seul. Il y avait des groupes et des artistes que je connaissais. J'étais ami avec Elliott Smith, Lou Barlow – ils écrivaient de la musique plus calme et introspective à une époque où ce n'était tout simplement pas à la mode. Je me souviens m'être senti nerveux pour eux parce que j'avais mon propre SSPT en essayant de gérer cela. Je me souviens avoir essayé d'interpréter des chansons sincères et de la musique acoustique triée sur le doigt, puis à la fin, j'ai juste crié « MTV ME DONNE ENVIE DE FUMER DU CRACK », alors les poings des gens étaient levés en l’air et ils étaient heureux de l’entendre.
C'était un équilibre étrange dans les années 90, quand les gens disaient vouloir l'authenticité mais en même temps la sincérité semblait…
« … nauséabond, oui. Je ne pense pas que les autres générations aient dû faire face à cela. Il y a une mode pour chaque instant. Led Zeppelin n'essayait pas de faire de la musique de big band, Frank Sinatra n'essayait pas de jouer des chansons de music-hall ou tout ce qui était possible pour la génération précédente. Il aurait été difficile d'essayer de faire un disque comme celui-ci à l'époque. «
En ce moment, le folk et la country sont tellement en vogue, il y a beaucoup de jeunes artistes indie et pop qui brisent les genres et les sons ensemble comme vous l'avez fait, la « musique de chambre » peut désormais remplir les arènes. Vous sentez-vous accepté maintenant et ressentez-vous votre influence ?
« Pas vraiment. J'ai beaucoup de pairs dont je vois leur influence partout. C'est de la même manière qu'on ne chante pas mes chansons au karaoké, les paroles sont trop bizarres. Beaucoup de mes pairs ont écrit de superbes chansons de karaoké que tout le monde pouvait chanter. Quand j'étais plus jeune, j'étais toujours en train de déconstruire et d'essayer de subvertir la chanson sur laquelle je travaillais, donc une grande partie n'était pas vraiment propice à une influence directe.
« Je ne pense pas que les plus jeunes remarqueraient peut-être que mes premiers disques défiaient de manière vraiment agressive le genre. C'est quelque chose de pris pour acquis maintenant, mais à l'époque, c'était très transgressif. Je me souviens avoir reçu beaucoup de conneries pour cela, surtout de la part des journalistes.
« Je le comprends, mais à l'époque, briser les genres d'une manière presque antagoniste était pour moi presque une sorte de punk rock post-moderne. On ne pouvait pas vraiment choquer les gens avec du volume ou même du contenu lyrique. Même les Pixies, qui recherchaient le punk, la façon dont ils choquaient les gens était une musique vraiment agressive avec des mélodies vraiment mignonnes et douces. C'était du punk. Pour moi, la seule chose qui était punk était de briser de manière flagrante le rap avec la country, la noise et la poésie symboliste et de voir ce qui se passait. Je me souviens avoir été On me disait constamment que cela était perçu par les gens comme une sorte de manque de sincérité, ou comme un manque de courage pour revendiquer mon propre son et mon propre coin.
Ensuite, on vous appelait « slacker rock », mais en fait, vous déployiez beaucoup d'efforts…
« Ouais, c'était drôle. Le milieu d'où je viens, je travaillais tout le temps juste pour survivre. J'aurais adoré vivre cette vie de banlieue, vivre dans le garage de mes parents et ne pas avoir besoin d'avoir un travail… 'slacking', comme on dit. La génération précédente jettera toujours une sorte de nom ou de slogan à la jeune génération pour la faire baisser d'un cran ou au moins être réductionniste.
« Un clip est apparu récemment de Dean Martin (que j'aime) présentant les Rolling Stones dans son émission télévisée, et il lève les yeux au ciel. Je parlais récemment à Conan O'Brien et il a dit qu'il avait toujours pour politique de ne jamais faire de blagues sur les artistes, en particulier sur les jeunes artistes qui n'étaient pas de sa génération. Cela ne s'est jamais bien passé dans l'histoire. J'ai toujours pensé qu'il était important d'accueillir ou de soutenir les nouveaux artistes qui arrivent. «
Comment pensez-vous que le jeune Beck se serait comporté dans le paysage actuel ?
« Je pense qu'il y aurait beaucoup plus de place et d'acceptation. Il y avait beaucoup de règles à l'époque où je suis arrivé. Je suis sûr que Radiohead, Björk ou n'importe qui d'autre à ce moment-là devrait dire la même chose. Des disques comme « Post », « Homogenic » ou « Kid A », frappaient vraiment des murs de résistance. Je me souviens d'avoir frappé ça avec « Odelay » et même « Sea Change ». Les gens sortaient en trombe de ces concerts et j'ai perdu un C'était un peu autodestructeur auprès de mon public, mais l'intuition est toujours correcte. Ces disques sont probablement plus populaires auprès des gens qui viennent à mes concerts maintenant que ceux qui se vendaient infiniment plus à l'époque.
En parlant d’intuition, les gens ont beaucoup parlé de l’utilisation de l’IA dans la musique – le Dr Dre l’ayant « adoptée » comme un outil. Vous venez de faire une tournée orchestrale qui est un effort très humain et vous avez réalisé un album comme celui-ci. Où en êtes-vous ?
« Cela m'a motivé ces dernières années. La plupart de ces chansons ont été enregistrées en direct dans une pièce. Il n'y a que cinq personnes qui jouent dans une pièce : ne prenez aucun coup de poing, n'enregistrez aucun changement, c'est qui nous sommes et c'est à cela que nous sonnons ensemble, assis dans un espace en temps réel.
« Je ne dis pas que c'est mieux que de programmer des rythmes sur votre ordinateur portable, c'est bien. Je préfère juste un effort humain. Je me suis trouvé vraiment attiré par les orchestres au cours de la dernière décennie, et j'y vais beaucoup. J'ai eu quelques années où j'y allais chaque semaine, juste pour m'asseoir là dans une pièce dans cette façon ridiculement démodée de faire de la musique alors que nous pouvons simplement avoir un orchestre sur notre iPhone.
« La beauté de 80 personnes assises ensemble, jouant un morceau de musique, semble si humainement indulgente. Dans un monde de choses optimisées et rationalisées, cela semble si merveilleusement contre-intuitif mais humanisant et gratifiant. Je n'arrive pas vraiment à mettre le doigt dessus.
« Comme toute technologie, elle présente de grands avantages, mais vous allez aussi perdre de grandes choses. Vous gagnez et vous perdez à chaque étape. Je n'avais pas d'iPhone jusqu'à il y a cinq ou six ans. J'ai tenu très longtemps. »
À quel point étiez-vous plus heureux ?
«J'étais mieux, mes yeux allaient mieux.»
Peut-on s'attendre à une tournée très « humaine » ?
« La tournée va être très différente. Elle sera différente de toutes les autres tournées que j'ai faites. Ce sera certainement une expérience. Elle sera lente et sombre avec une qualité d'altérité et d'éloignement. Je ne veux pas que cela ressemble à un spectacle de rock, je vais plutôt pour une production théâtrale mise en scène par Robert Wilson ou quelque chose comme ça. »
Vous avez réalisé cet album avec votre ancien copain et batteur Joey Waronker, qui vous a également rejoint au Royal Albert Hall l'année dernière lors d'une pause après une tournée avec Oasis. Sera-t-il avec vous lors de vos concerts en 2026 et 2027 ?
« Je ne comprends pas Joey. C'est un homme occupé, mais il a joué sur l'album et nous jouons toujours ensemble quand nous en avons l'occasion. »
Pensez-vous déjà au prochain disque ? Faudra-t-il encore attendre sept ans ?
« Je suis toujours au milieu d'un tas de projets. J'ai des disques qui mijotent depuis de nombreuses années. Ils sont prêts quand ils sont prêts. Quand 'Sea Change' est sorti, les gens se demandaient : 'D'où est-ce que ça vient ?' À ce moment-là, je travaillais sur un disque comme celui-là depuis une douzaine d’années. Certaines des chansons de « Sea Change » avaient alors 10 ans. Espérons qu'il n'y aura pas un écart de sept ans.
Beck sort « Ride Lonesome » le 18 septembre via Capitol Records, avant le début d'une tournée nord-américaine le 22 septembre. Visitez ici pour les billets et plus d'informations.